Musée Rath, Genève

Galerie Jade, Colmar

Acquis directement auprès de cette dernière par l'actuel propriétaire

Genève, Musée Rath, Centre d'Art Contemporain, Une enveloppe peut en cacher une autre, mars-mai 1989

Nancy, Galerie Hervé Bize, Daniel Buren et André Cadere, mars-juin 2012

B. Salmon,  Implosion ou La Cabane aux quatre piliers, Entretien avec Daniel Buren, 1996, reproduit p. 13

A. Boisnard & D. Buren, Daniel Buren, Cabanes éclatées 1975-2000, Catalogue Raisonné thématique, Volume 2, Paris, 2000, reproduit en couleurs sous le n°V2-23, pp. 52 & 54

Site internet https://danielburen.com/images/exhibit/670?ref=personal&year=all, reproduit en couleurs

Un avertissement (certificat) sera rédigé par l'artiste au nom du nouvel acquéreur.

Cette oeuvre a été réalisée en mars 1989.

Une copie du plan d'installation sera remise à l'acquéreur.

Dimensions variables.

Dimensions de la cabane fermée : 270 x 270 x 270 cm

Fabric with alternating vertical black and white stripes, screen-printed designs each measuring 8.7 cm and wood; variable dimensions, dimensions of the closed cabin : 106 ¼ x 106 ¼ x 106 ¼ in.

Estimation sur demande

Estimate on request

Artcurial est heureuse de présenter pour la première fois en vente aux enchères cette exceptionnelle cabane de Daniel Buren. Une œuvre monumentale, unique et rare. 

Daniel Buren résume sa biographie en une simple phrase : « vit et travaille in situ ». Depuis plusieurs décennies, l’artiste intervient dans des espaces choisis, concevant ses œuvres en étroite relation avec le lieu, le contexte de l’exposition, son cadre physique autant que ses relations avec l’extérieur.

Les travaux in situ, sont ainsi indissociables de l’environnement dans lequel ils ont été pensés. Ils sont, par définition, non déplaçables, qu’ils soient pérennes ou éphémères, et interrogent sur l’espace, l’architecture, la lumière et la couleur.

Il existe une deuxième catégorie d’œuvres qui, elles, peuvent circuler, en suivant des règles prédéfinies par l’artiste, et qu’il nomme ses travaux situés. Ils ont la capacité de s’adapter à différentes situations et se prêtent à plusieurs combinaisons. Pour les décrire, l’artiste a recourt à une métaphore du théâtre : « À chaque réinstallation, c’est une pièce de théâtre que l’on rejoue, le texte n’a pas bougé, mais la mise en scène, le décor n’ont rien à voir avec la première représentation, et en changent considérablement notre appréhension, tout comme elles changent l’apparence de la scène ».

Ces installations réalisées par l’artiste, de par le monde, jouent sur les espaces, les différents points de vue, le mouvement, la couleur, la lumière et l’imagination. Elles assument leur pouvoir décoratif ou transforment radicalement les lieux, mais ont toujours vocation à interroger les passants et les spectateurs. 

Ces œuvres agissent tels des révélateurs : on peut les comparer à des instruments optiques, à de véritables « outils pour voir » car à travers elles, un lieu ou un objet se perçoit différemment. L’invisible, ou plutôt l’imperceptible et l’implicite, se dévoile alors peu à peu.

Daniel Buren propose également une multiplicité de points de vue, laissant au spectateur la liberté de choisir sa propre perspective et d’en changer à volonté. C’est pourquoi la meilleure manière d’aborder son travail est sans doute la déambulation : chaque pas offre une nouvelle vision de l’œuvre et du lieu avec lequel elle se confond. En contrepartie, la perception de l’œuvre demeure toujours fragmentaire, car sa totalité ne peut être appréhendée qu’à travers le mouvement et l’imagination. L’œuvre elle-même prend en compte cette dimension : elle peut être mobile et certains de ses éléments ne se révèlent pleinement qu’à travers le déplacement.

La lumière constitue aussi une composante essentielle de son travail : la manière dont nous percevons un lieu ou une œuvre peut se transformer totalement selon la lumière ou l’éclairage.

S’intéressant aux liens entre art et architecture, le travail de Buren a évolué vers une dimension plus tridimensionnelle : l’œuvre n’est plus un simple objet, mais devient une modulation de l’espace.

Constructions et déconstructions se combinent dans sa série des Cabanes éclatées. Les prémices de cette série remontent à 1975, mais prend véritablement forme à partir de 1984, et fait certainement partie des travaux situés les plus importants dans l’œuvre de l’artiste.

Une enveloppe peut en cacher une autre : n° V, que nous présentons en vente, fait partie d’un ensemble de dix cabanes réalisées en mars 1989, à l’occasion de l’exposition organisée par le Centre d'Art Contemporain au Musée Rath de Genève, du 19 mars au 28 mai 1989. Les cabanes étaient disposées symétriquement par rapport aux arcades séparant l'espace dans la salle d'exposition, faisant écho à l'œuvre enveloppant l'ensemble du bâtiment. Le principe de ces travaux, dont celui-ci est le cinquième, est de rendre interdépendants le travail présenté et le lieu de présentation. Les deux devenant, à chaque présentation, indissociables.

Au centre de la pièce se dresse une construction cubique légère en bois, recouverte de tissu tendu rayé blanc et noir, dont la moitié de chaque montant s'ouvre en pivotant sur elle-même à partir de deux angles opposés, telles les ailes d'un oiseau. Apparaît alors l’espace dévolu à la « porte » permettant d'entrer et de sortir de la cabane. Un toit, confectionné de toile de coton blanc, consolide la structure tout en modifiant la qualité de la lumière à l'intérieur, accentuant l’impression d’un espace intérieur au sein de l’espace d’exposition. Les morceaux découpés dans les parois de la cabane permettent d’y projeter à l’intérieur la première surface rencontrée (mur, fenêtre, porte, etc...), créant ainsi un nouvel espace à l’intérieur même de l’installation. Intérieur et extérieur semblent alors dialoguer dans un jeu entre le vide et le plein, entre les découpes et les projections.

Une fois installée et ouverte, l’œuvre doit être placée au milieu de la salle, ses parois pouvant être orientées soit perpendiculairement aux murs de la salle d’exposition ou à 45° par rapport à ceux-ci.

Œuvre majeure, cette cabane éclatée est une véritable architecture dans l’architecture. Elle interroge la notion même d’objet d’art. Mais, comme l’écrit l’artiste, elle explore surtout « l’envers et l’endroit, le décor et le décoré, l’architecture et l’objet architecturé, la sculpture et la peinture ». On peut également y voir une tentative d’œuvre d’art total, dans laquelle le spectateur fait l’expérience de l’œuvre dans des conditions proches de celles de l’artiste, à la fois découvreur et usager, penseur et jouisseur, immergé au cœur du réel et de ses complexités.

Artcurial is pleased to present, for the first time at auction, this exceptional cabin by Daniel Buren. A monumental, unique and rare work.

Daniel Buren sums up his biography in a single sentence: “lives and works in situ”. For several decades, the artist has intervened in selected spaces, designing his works in close relation to the site, the exhibition context, its physical setting, as well as its connections to the outside.

In situ works are thus inseparable from the environment in which they were conceived. By definition, they cannot be moved -whether permanent or ephemeral- and they question space, architecture, light and colour.

There is a second category of works that can circulate, following rules predefined by the artist, which he calls situated works. These have the ability to adapt to different contexts and lend themselves to multiple configurations. To describe them, the artist uses a theatrical metaphor: “Each time a work is reinstalled, it is like restaging a play, the script remains unchanged, but the staging and the set bear no resemblance to the first performance, and they profoundly alter our perception, just as they transform the appearance of the stage”.

These installations, created by the artist around the world, play with space, multiple viewpoints, movement, colour, light and imagination. They embrace their decorative power or radically transform places, but always aim to question passersby and viewers.

These works act as revelatory devices: they can be compared to optical instruments, true “tools for seeing”, since through them, a place or an object is perceived differently. The invisible -or rather the imperceptible and implicit- gradually reveals itself.

Daniel Buren also offers a multiplicity of viewpoints, leaving viewers free to choose their own perspective and to change it at will. This is why the best way to approach his work is through movement: each step offers a new vision of the work and of the space with which it merges. In return, the perception of the work always remains fragmentary, as its totality can only be grasped through movement and imagination. The work itself incorporates this dimension: it can be mobile, and some of its elements fully reveal themselves only through displacement.

Light is also an essential component of his work: the way we perceive a place or a work can be completely transformed depending on lighting conditions.

Exploring the relationship between art and architecture, Buren’s work has evolved toward a more three-dimensional dimension: the work is no longer a simple object but becomes a modulation of space.

Construction and deconstruction combine in his series Cabanes éclatées. The origins of this series date back to 1975, but it truly took shape from 1984 onward, and it is certainly among the most significant situated works in the artist’s oeuvre.

Une enveloppe peut en cacher une autre : n° V, presented here at auction, is part of a set of ten cabins created in March 1989 for the exhibition organised by the Centre d’Art Contemporain at the Musée Rath in Geneva, from March 19 to May 28, 1989. The cabins were arranged symmetrically in relation to the arcades dividing the exhibition space, echoing the work enveloping the entire building. The principle of these works -of which this is the fifth- is to render the work and its site of presentation interdependent. With each installation, the two become inseparable.

At the centre of the room stands a light cubic wooden structure, covered with stretched white-and-black striped fabric. Half of each vertical support opens by pivoting on itself from two opposite corners, like the wings of a bird. This reveals the space designated as the “door”, allowing entry into and exit from the cabin. A roof made of white cotton canvas reinforces the structure while altering the quality of light inside, enhancing the impression of an interior space within the exhibition space. The cut-out sections in the cabin’s walls project onto the interior the first surface they encounter (wall, window, door, etc.), thereby creating a new space within the installation itself. Inside and outside thus seem to engage in dialogue through an interplay of void and solid, cuts and projections.

Once installed and opened, the work must be placed in the middle of the room, with its walls oriented either perpendicular to the exhibition walls or at a 45° angle to them.

A major work, this cabane éclatée is a true architecture within architecture. It questions the very notion of the art object. Yet, as the artist writes, it above all explores “inside and outside, the decor and the decorated, architecture and the architectured object, sculpture and painting”. One may also see it as an attempt at a total work of art, in which the viewer experiences the work under conditions close to those of the artist, both discoverer and user, thinker and enjoyer, immersed in the heart of reality and its complexities.